Obwohl ich schon seit vielen Jahren Bilder male, ist der Moment, vor der frischen, weissen Leinwand zu stehen, immer aufregend wie beim ersten Mal. Es ist der Beginn einer abenteuerlichen Reise, von der ich noch nicht weiss, wo sie hinführt. Damit ich eine Grundlage, mit der ich arbeiten kann, erhalte, muss ich zuerst einmal Leben in Form von Farbe auf die Leinwand bringen. Von diesem Beginn sind später manchmal nur noch wenige Reste zu sehen, die man vielleicht gerade noch erahnen kann. Es folgen Farben, welche harmonisch oder in Spannung zueinander stehen. Proportionen, die Energie erzeugen und immer wechselnde Kompositionen, die in mir Assoziationen wecken. Von diesem Zeitpunkt an bin ich nicht mehr nur auf mich gestellt, sondern stehe in einem dynamischen Arbeitsprozess im Dialog mit der Welt auf der Leinwand. Ich zähme das Bild oder lade es mit Energie auf. Dieser Prozess verselbstständigt sich und bewegt sich zwischen Euphorie und Kampf. Am Ende muss alles in einer erarbeiteten, chaotischen und poetischen Perfektion zusammengeführt sein. Dann ist auch der Weg dorthin, mit seinen Brüchen und Spannungen, zu sehen, als sichtbare Zeugen dieser Reise. 

Auf der Suche nach einem passenden Format für meine Malerei habe ich festgestellt, dass ich ein Seitenverhältnis von 1 : 1,1 als das geeignete empfinde. Weit genug entfernt von der Statik eines Quadrates und weit weniger langgestreckt als ein klassisches Standardformat. Damit ist es weitgehend ohne Aussage und bietet mir eine neutrale Arbeitsfläche, die dem Bild in alle Richtungen seinen Raum lässt.

Ich gebe meinen Bildern bewusst keine Titel, denn es spielt keine Rolle was auf der Leinwand dargestellt wird, sondern es geht darum, wie es dargestellt ist, welche Emotionen und Assoziationen ausgelöst werden. Titel passen eher zu einer konzeptionellen Kunst und weniger zu meiner prozesshaften Malerei. Überhaupt fallen mir nur wenige Künstler ein, deren Werk sich erst durch die Titel erschliesst. Das ist häufig und sehr spannend bei Paul Klee («vergesslicher Engel») oder Martin Kippenberger («Dialog mit der Jugend») der Fall. 

Im weitesten Sinne um Natur. Wer sich einmal längere Zeit mitten in der Natur, im Wald, am Weiher oder in den Bergen aufhält und das Leben beobachtet, bei dem stellt sich schnell ein Gefühl der Schönheit und Ergriffenheit ein und Gedanken bekommen Luft. Dieses Gefühl von Empfindsamkeit und Erhabenheit ist der Ausdruck, dem ich in meiner Arbeit nachgehe. Es dient mir als die Grundlage, auf der ich ein Bild aufbaue. Es darf weder in das reine Schöne abgleiten und schon gar nicht in eine Monumentalität. Diese würde jeden Dialog in den Spannungsfeldern der Erlebbarkeit verhindern. 

Weshalb ruft die Natur in uns diese starken Gefühle hervor? Ich denke, die ursprüngliche und tiefe Verbindung, die wir, welche wir selber ein Teil davon sind, spüren, führt durch die stete Entfremdung zu einer Transformation von der Einheit zu einer (abstrakten) Sehnsucht. Als Künstler bin ich mit der Vermittlung von Erfahrungen beschäftigt. Diese Vermittlung kann aber nicht rational erfolgen, weil sonst wertvolle und sinnliche Widersprüche in der Verinnerlichung (der Zusammenhänge) verdeckt werden. Die reine Abbildung eines vermeintlichen Motivs dient lediglich als Corpus, als Überbringer einer komplexeren Aussage. So ist die Malerei grundsätzlich als Allegorie und nicht als blosse Metapher zu verstehen. Verkürzt gesagt, der Zweck eines Bildes ist die Reduktion auf die poetische Wirkung, die sich in dem Beziehungsdreieck Autor – Bild – Betrachter entfaltet.